Para la construcción y elaboración de un personaje teatral, además del trabajo actoral, se pueden utilizar el vestuario, la máscara y el maquillaje.
El actor trabaja el personaje desde el punto de vista psicológico y el maquillaje, el peinado y vestuario lo ayudan a representarlo en lo físico.
Si hablamos de la cultura occidental, los principales cambios e innovaciones de indumentaria y caracterización teatral se produjeron en los teatros griego, romano, italiano, español e isabelino.
EL VESTUARIO
El avaro de Molière por Teatro Morboria
La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca por José Carlos Plaza
LA MÁSCARA
El fantasma de la ópera de Andrew Lloyd Webber.
Máscara japonesa del teatro Noh
FUENTES UTILIZADAS
Para la realización de esta entrada se han utilizado, entre otras, las siguientes fuentes:
Bernal, Arturo. Máscaras teatrales. Escuela de teatro Arturo Bernal.19/05/2025
Don Juan Tenorio de Zorrilla en la dirección de Ignacio García
El vestuario es el conjunto de prendas, complementos y accesorios que lleva un personaje en escena.
No solo la ropa sino que también son muy importantes los complementos que lleva el personaje: pelucas, joyas y demás accesorios.
El vestuario y sus complementos sitúan al actor en el género, la edad, la situación económica o emocional o las características sociales o personales del personaje que representa en el escenario.
El vestuario es un elemento que contiene en sí mismo toda una carga de sistemas de signos que lo convierten en un lenguaje visual que el espectador irá decodificando.
Gracias al vestuario y los complementos del personaje, podemos saber cómo es su contexto, el lugar y la época en la que transcurre la historia, la estación del año, las circunstancias en las que se encuentra, su situación económica, el país en el que está...
Hamlet de William Shakespeare en la dirección y adaptación de Alfonso Zurro
La utilería de mano, llamada también utilería de personaje, son los objetos que los actores manipulan durante su actuación.
Determinados elementos de utilería de mano y complementos identifican inmediatamente ante el público al personaje que los lleva.
Son ejemplos famosos de utilería de actor: la calavera que aparece en el Hamlet de Shakespeare y el cofre de oro de El avaro de Molière o el icónico sombrero con una flor del mimo Marcel Marceau..
Los espectadores reconocen con facilidad, gracias al vestuario, a personajes del imaginario popular, de la literatura o de la mitología.
Todos conocemos al instante a Caperucita Roja, a Drácula o a Cupido cuando los vemos entrar en escena.
En el teatro isabelino, en la época de Shakespeare, los personajes femeninos como la Julieta de Romeo y Julieta o la Desdémona de Otelo eran representados por actores adolescentes a los que el vestuario definía su condición femenina.
Hay que recordar que, aunque con algunas reglas establecidas, las mujeres sí podían actuar en la escena en el teatro de los Siglos de Oro en España.
En la comedia de Tirso de Molina, Don Gil de las calzas verdes es una mujer vestida de varón la que enamora a otras damas.
Don Gil de las calzas verdes de Tirso de Molina
por la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico
Y esta obra no constituye una excepción porque la figura teatral de la mujer vestida de hombre con su toque transgresor de las normas sociales es muy apreciada en la época.
Hasta el punto que llegó a haber actrices especializadas en el papel de la vestida de varón.
De esta extraordinaria aceptación se hacía eco Lope de Vega en su Arte
nuevo de hacer comedias cuando decía:
Las damas no desdigan de su
nombre;
y si mudaren traje, sea de modo
que pueda perdonarse, porque suele
el disfraz varonil agradar mucho.
El vestuario teatral tiene una función estética y simbólica, incluso en algunos teatros orientales como los de Bali, Japón o la India, cumple una función ceremonial o religiosa.
En la actualidad, en nuestra cultura occidental, se suele pedir que el vestuario sea cómodo, práctico y funcional que permita que los actores se muevan en el escenario con comodidad y libertad de movimientos.
El vestuario debe complementar y realzar la actuación, ser congruente con la escenografía y con el maquillaje y adaptarse a las necesidades del actor en cada escena.
Cuando la obra requiere cambios de vestuario, el diseño de los trajes debe facilitar la rapidez de los cambios entre escena y escena.
El diseñador de vestuario en el teatro se ocupa de crear y unificar la estética de los vestidos de los actores de manera que ajusten a los códigos establecidos, se integren con los decorados de la obra, se ajusten a las características de los personajes, a la época en la que transcurre la acción...
En el teatro existe un complejo código de colores que por poner un ejemplo asocia los colores brillantes y cálidos a la comedia y los tonos oscuros, fríos y sombríos a la tragedia.
Se puede decir que el vestuario es la piel del actor pero hay que recordar que, en determinadas obras, el desnudo del actor en escena ha sido un elemento más del vestuario.
Las razones para llevar a escena un desnudo dependen de la situación del personaje propuesta por el autor o de la propia decisión del director al montar cierta obra.
El desnudo no busca una reacción específica en el público, ya que este forma parte de la situación del personaje en escena, y lo que le pase al personaje puede interpretarse de mil maneras por el espectador.
Hay que tener en cuenta que según las circunstancias culturales y sociales del público un desnudo en escena puede ser una transgresión muy fuerte o verse como algo natural o necesario para el desarrollo de la obra.
Equus de Peter Schaffer en la dirección de Paco Macià
De esta circunstancia es un ejemplo la obra teatral Equus de Peter Schaffer.
De alguna manera, el desnudo en escena tiene una función política de desclasar al personaje o una función de protesta frente a las rígidas normas de las convenciones sociales.
O según la propuesta de Marina Abramovic en Imponderabilia, su performance de 1977, la presencia del actor desnudo tiene la capacidad de desconcertar y de extrañar a los espectadores vestidos que se enfrentan así a una situación que los desconcierta.
Máscaras para La Orestíada de Esquilo diseñadas por Jocelyn Herbert en 1981
La importancia de la máscara en el nacimiento del teatro es tal que este está representado por dos máscaras teatrales griegas, la máscara de Talía la musa de la comedia y la máscara de Melpómene la musa de la tragedia.
En la actualidad las máscaras teatrales suelen estar hechas con cuero o papel maché y en la antigüedad griega se sabe que se hacían de lino, madera o cuero.
La utilización de la máscara cumple en algunas culturas un papel ritual o sagrado.
Permite asumir al actor otra identidad y transformarlo en otro ser humano distinto, cambiarlo de sexo o convertirlo en un dios, en un ser mitológico o en un animal o en un monstruo.
Incluso puede unificar a individuos diferenciados en un personaje colectivo como en el caso de las máscaras del coro de las tragedias griegas.
La máscara puede presentar un rostro neutro, en ocasiones rígido e inmóvil a las emociones humanas o puede tener una mueca muy marcada que indique alegría, sufrimiento o dolor en una forma casi cercana a la caricatura, incluso la máscara puede ser un objeto de uso cotidiano que sustituya al rostro humano del actor.
Las máscaras permiten un distanciamiento ritual que de alguna manera transforma al actor en un ser mítico.
TIPOS DE MÁSCARAS
Existen diferentes tipos de máscaras:
MÁSCARAS COMPLETAS: cubren toda la cara como las de la tragedia griega.
MEDIAS MÁSCARAS: dejan la boca al descubierto como las de la Comedia del Arte italiana.
MÁSCARAS DE MEDIO ROSTRO: cubren la mitad del rostro como la de El fantasma de la ópera del musical de Andrew Lloyd Webber.
Algunas máscaras son muy pequeñas y sencillas como la nariz roja de payaso que al ponerla modifica la totalidad de su expresión.
Repasamos algunas de las clases de máscaras más importantes según Arturo Bernal.
MÁSCARAS NOBLES
Este tipo de máscara que procede del teatro Noh japonés, se llama Máscara Noble porque muestra en ella equilibrio y acción.
En el teatro japonés la doncella más delicada está representada por actores gracias al poder transformador de la máscara noble.
Es la que dará lugar a la llamada Máscara Neutra del siglo XXI.
MÁSCARAS LARVARIAS
Las Máscaras Larvarias con personajes que aún están por definir.
Son máscaras en evolución igual que el personaje que sustentan.
MÁSCARAS EXPRESIVAS
Las Máscaras Expresivas representan caracteres arquetípicos.
MÁSCARAS OBJETO
Las Máscaras Objeto, llamadas también Máscaras Utilitarias, extrañan al actor de la realidad cotidiana.
El actor ya no tiene una cabeza humana, su cabeza es sustituida por un objeto arbitrario.
Todos estos tipos de máscaras al ser enteras tapan la boca y no permiten al actor proyectar su voz lo que hace que los movimientos del actor cobren más importancia.
LA MEDIA MÁSCARA DE LA COMEDIA DEL ARTE
En la Commedia dell’Arte italiana, se utilizaban medias máscaras.
Estas máscaras cómicas cubrían solo la parte superior de la cara, dejando la boca al descubierto por lo que permitían al actor emitir sonidos con total libertad.
La Comedia del Arte es un género teatral nacido en Italia en la segunda mitad del siglo XVI y que duró hasta finales del siglo XVIII, en el que se originaron las máscaras que todavía hoy día se pueden ver en el carnaval italiano.
Estas máscaras de la comedia italiana están hechas con cuero y son monócromas
Los personajes de la Comedia del Arte son estilizados y estereotipados, usan máscaras y trajes típicos y cada uno de ellos tiene un comportamiento característico.
Llegó a haber más de 40 tipos de personajes y máscaras distintos.
Pero hoy en día pocos de estos personajes y máscaras siguen siendo conocidos por el público.
Entre los que se recuerdan destacan Arlequín, Colombina, Polichinela, el Capitán, Scaramouche, el Doctor...
EL MAQUILLAJE
En teatro los maquillajes aportan riqueza expresiva al personaje.
Ya en el teatro de la antigua Grecia y Roma, los actores utilizaban vino mezclado con minerales para remarcar los rasgos de la cara cuando no usaban máscaras en la escena.
El maquillaje teatral tiene como como función dramatizar las facciones del rostro de los actores acentuándolas, exagerándolas, deformándolas o difuminándolas.
En el teatro el maquillaje permite añadir o quitar años a los personajes y al igual que el vestuario identificar su género, edad y grupo social al que pertenece.
Además permiten ocultar o resaltar rasgos físicos o defectos.
Es un maquillaje con las facciones del rostro muy exageradas, especialmente los ojos, y a la vez muy bien trabajadas, ya que existe una cierta distancia entre el escenario y el público.
Por esta razón los rasgos de los actores y sus gestos tienen que llegar a apreciarse desde las últimas localidades del teatro.
Algunos maquillajes son muy elaborados, incluso tienen funciones rituales, otros son muy sencillos como el maquillaje blanco que utilizan los mimos.
Marcel Marceau, Bip the Clown
En general se utilizan cosméticos, arcillas y pigmentos pero se recurre también al látex para el de maquillaje de efectos especiales, como cicatrices y cortes.
En estos casos se incorpora látex de color carne que se aplica a la piel y luego se construye utilizando materiales como papel de seda y algodón.
Los maquillajes rituales en el teatro están sujetos a las pautas, colores y códigos simbólicos de la cultura a la que pertenecen.
En Europa desde el siglo XIX se restringe el uso del maquillaje en la vida diaria para los varones.
Esta costumbre empieza a desaparecer en la segunda mitad del siglo XX con el Glam Rock y más tarde en el siglo XXI cuando se produce el boom del maquillaje masculino en 2016 por los influyentes en las redes sociales.
La función principal del maquillaje teatral es la caracterización.
A través de esta caracterización y, tras un proceso que puede ser largo y elaborado, se consigue rejuvenecer o avejentar al actor, cambiarle el género o transformarlo en otro ser, un espíritu, un mostruo, un animal...
María Jáimez como La tuerta de Jorge Usón
La caracterización no es solo el maquillaje del rostro, también se aplica a la transformación del cuerpo de los actores modificando su aspecto, su altura o sus proporciones.
Otra función del maquillaje en el teatro es simplemente práctica, ayuda a que veamos mejor los rasgos faciales, a disimular el sudor de los actores y a evitar los brillos que producen los focos de la iluminación.
Por esta razón el maquillaje teatral está diseñado para ser resistente y es más denso que el maquillaje habitual.
Uno de los elementos más complejos y costosos dentro del maquillaje son los llamados implantes que no son otra cosa que efectos especiales y que suelen ser heridas, cicatrices, quemaduras…
Gracias a la existencia de elementos como el látex y de pegamentos que facilitan el implante facial de complejas transformaciones, la técnica del maquillaje, tanto en el cine como en el teatro, ha conseguido sorprendentes efectos.
Para la realización de esta entrada se han utilizado, entre otras, las siguientes fuentes:
Bernal, Arturo. Máscaras teatrales. Escuela de teatro Arturo Bernal.19/05/2025
Las imágenes o vídeos que la acompañan se utilizan solo con fines educativos y el © de las fotografías y el © de los vídeos pertenecen a sus autores.
No hay comentarios:
Publicar un comentario